Borges ha promosso l'unico adattamento che gli emenda l'errore che si rimproverava - la sbrigatività con cui aveva raccontato un rito che conosceva bene - e che in cambio gli sottrae il suo artificio più caro, il narratore inaffidabile che si smaschera all'ultima riga.

Un'analisi del film di Kane Parsons che si concentra su elementi di continuità e discontinuità rispetto al corpus di "Zone" con cui si confronta, nel tentativo di delineare le caratteristiche fondamentali della sua interpretazione dell'inconscio.

La commedia noirizzata non offre alcuna protezione. L’oscurità non è un elemento ludico, ma una forza che emerge in modo progressivo, destabilizzando il sistema dall’interno.

Le prime due stagioni di Euphoria lasciano in eredità non solo un’estetica fortemente riconoscibile, ma anche una controversa rappresentazione dell’adolescenza.

Resurrection è una sorta di “catalogo cinematografico” che lo spettatore può percorrere grazie alla mediazione del protagonista.

Il "nuovo" cinema giallo torna ai classici del genere, come metodo e visione del mondo, ma senza dimenticare le rivoluzioni culturali degli ultimi anni

Pur nella sua natura di dramma psicologico dai risvolti onirici e dark, Die My Love di Lynne Ramsey si potrebbe considerare per certi versi un film «performativo».

Il film porta in superficie gran parte della violenza implicita nei costrutti sociali e normativi cui sono state soggette storicamente le ragazze e le donne.

Il seme del fico sacro è un thriller politico di straordinaria sostanza cinematografica oltre che di impegno civile retto da uno scrupoloso lavoro di ricerca della suspense.

In Un film fatto per Bene, Maresco presenta un conflitto – quello tra regista e produttori – la cui causa deriva dalla propria nevrosi e soprattutto dal «peggiore dei mondi possibili»

Il film di Ari Aster ripropone gli stereotipi del western ricorrendo a soluzioni visive e narrative del cinema contemporaneo.

La lettura che cercheremo di dare a Weapons prescinde dal significato dell’orrore e si concentra sulle sue logiche di propagazione, di impedimento o interdizione, infine di trasgressione o sovversione.

Material Love smonta e rimonta modelli della commedia classica aggiornandoli all'era delle app, a favore di uno sguardo nostalgico.

Il Laterale Film Festival torna a Cosenza dal 28 al 30 agosto 2025. Abbiamo incontrato Mattia Leo, curatore della selezione insieme a Mattia Biondi e Mattia Fiorino, per tracciare un bilancio dell'ultima edizione.

Tanto The Brutalist quanto Queer invitano a pensare al cinema come costruzione dello spazio, in relazione sia all’occhio dello spettatore sia all’interiorità dei protagonisti.

Se il fascismo fu una delle pagine più oscure della nostra Storia, molti film degli anni ‘60 trovarono l’efficace chiave della commedia per restituirne i tic, le ridicole pose e le premesse storico-sociali su cui Mussolini poté fondare il proprio potere.

Mission: Impossible - The Final Reckoning di Christopher McQuarrie conclude le vicende di Ethan Hunt precipitandole nel mondo digitale.

Fuori di Mario Martone è un'opera aperta che aiuta a rimettere in prospettiva la filmografia del suo autore.

The Girl with the Needle mostra la crisi della società occidentale basata su rapporti di forza economici dove a farne le spese sono le classi più fragili.

Civil War è un film capace di fotografare un momento di precarietà istituzionale degli Stati Uniti e un trattato sullo sguardo e sul ruolo delle immagini nel contemporaneo

Uno degli autori del Novecento italiano che si è più lasciato interrogare dal sacro è Pier Paolo Pasolini, che ne ha fatto il faro della sua poetica. Un estratto dal numero 37 di Charta Sporca .

Il true crime è un fenomeno di costume diffuso e tentacolare, trasversale per quanto riguarda età e genere (anche se alcuni dati parziali dicono essere a prevalenza femminile).

La protagonista del film di Ducournau decostruisce le rappresentazioni bidimensionali della femminilità, sprigionando un'ironia spietata sugli stereotipi con cui questa viene solitamente raccontata al cinema

Celebriamo il regista David Lynch, morto il 16 gennaio di quest'anno, con una serie di brevi contributi legati a quei film che più abbiamo amato; singole scene e momenti indelebili che hanno segnato il nostro percorso da spettatori.

L’amore trova la sua espressione più dirompente nel lesbismo, inteso come una forza femminea che alimenta il percorso di crescita delle due protagoniste.

Da anni si parla di “prestige horror” o “elevated horror”, ma forse una definizione più accurata sarebbe “horror gentrificato”.

Il nuovo film di Zemeckis è una summa del suo cinema e quindi, inevitabilmente, si articola attorno al concetto di Tempo, che da sempre attraversa l’opera del regista.

La figura di Alraune, con l’avvento della Repubblica di Weimar, comincia a farsi carico di ulteriori significati che, al di là del misticismo e dell’esoterismo, soggiaciono al mutato spirito tedesco e ai cambiamenti sociali postbellici.

Con l'anti-musical Joker: Folie à Deux, Todd Phillips compie un'operazione di distruzione sistematica della figura del protagonista.

Parthenope, nel film, non rappresenta l’essenza o lo spirito di Napoli ma al massimo ne incarna il principio vitale. O una delle tante anime.

Il vero obiettivo di Coralie Fargeat è quello di realizzare un’opera che sappia anzitutto rispettare il genere e i suoi meccanismi, bizzarra, gore e lontana da ogni appiattimento realistico.

Perkins dimostra la sua ammirazione per l'imagerie macabra del filone dei cosiddetti thriller "occulti" o "satanici", un elemento che accomuna Longlegs ai film che avevano cercato di capitalizzare il successo di Rosemary's Baby, L'esorcista e Il presagio.

Prima del body horror The Substance, Coralie Fargeat ha esordito al lungometraggio nel 2017 con Revenge, un film del genere rape and revenge che mira a ridiscutere la rappresentazione della donna nel cinema.

L'analisi di Nostra Signora dei Turchi è l'occasione per mettere in evidenza la specificità del lavorìo registico di Carmelo Bene nell'ambito strettamente cinematografico e mostrare la molteplicità di approcci che ha suscitato nella critica francese.

Furiosa: A Mad Max Saga, con protagonista Anya Taylor-Joy, è il rovesciamento dei presupposti da cui è germogliato Fury Road.

Beetlejuice Beetlejuice è una sorta di wunderkammer del cinema di Tim Burton, in cui il regista riflette sul lascito del suo immaginario.

Il film del dissidente Serebrennikov sulla figura controversa di Eduard Limonov, tratto da Carrère, si lascia sfuggire il personaggio di mano. Ma non poteva essere altrimenti.

Ti West focalizza la propria riflessione sul corpo, in particolare quello dell'attrice Mia Goth, indagato nel confine sottile che separa la vita dalla morte.

Trap è un gioco di scardinamento postmoderno dei meccanismi narrativi e del rapporto che lo spettatore ha con l’immagine, il cinema, le attese.

Tra tutte le figure che popolano l’immaginario visivo del cinema horror, la madre è quella più spaventosa.

Come nasce l’istituto culturale Kanoon, come viene veicolato il colore attraverso le illustrazioni, le animazioni e i cortometraggi iraniani, e come si dispiega il carattere cromofilo del Paese attraverso la tradizione, l’educazione e il divertimento.

L'adattamento di Oldroyd reimmagina il romanzo di Ottessa Moshfegh come un noir realizzato tra la fine degli anni Cinquanta e l'inizio degli anni Sessanta.

Esce oggi nelle sale italiane Horizon - An American Saga di Kevin Costner. Per l'occasione, proponiamo l'analisi di uno dei suoi film più noti, Balla coi lupi, un western neoclassicista che, pur abbracciando una tendenza revisionista, ha il respiro dei grandi western classici di John Ford.

Una breve riflessione sui documentari di Morgan Spurlock, scomparso lo scorso 23 maggio e spesso accomunato impropriamente a Michael Moore.

Le ultime stagioni del Trono di Spade hanno aperto un dibattito sulle radicali scelte estetiche del direttore della fotografia Fabian Wagner.

Tamara Deverell ci parla di come ha trasformato Toronto, di come la palette di colori del film rispecchi il viaggio emotivo di Priscilla e del suo processo collaborativo con Sofia Coppola.

La definitiva affermazione del colore a cui si assiste nei primi anni Sessanta coincide e si intreccia con la nascita di un nuovo filone che prende il nome di “Giallo all’italiana”.

Al termine della quarantaduesima edizione del Bellaria Film Festival, abbiamo avuto il piacere di dialogare con Mario Blaconà, che ha condiviso con noi i momenti più significativi della rassegna e le novità di quest'anno.

I Dialoghi sulla Fede tra Spadaro e Martin Scorsese, e la sceneggiatura in appendice, gettano uno sguardo retroattivo sulla filmografia del regista, utile a individuare la sua visione della Storia.

Villeneuve porta la sua visione “post-umana” del futuro delineata nel primo film fino alla sue logiche conseguenze, offrendo uno spettacolo ambizioso che ignora quasi completamente i pensieri e i sentimenti individuali.

Il libro Una grazia di sconosciuta di Giovanni Cocco, a metà tra biografia e rievocazione letteraria, offre un nuovo sguardo sulla figura indimenticabile di Jean Vigo.

Paolo Mereghetti racconta Quarto potere di Orson Welles in occasione della riedizione in sala del più grande film di sempre.

Éric Rohmer e Alain Resnais a confronto: due giganti del cinema apparentemente distanti ma in realtà molto più vicini di quanto si creda.

In Foglie al vento Kaurismäki torna a parlare dei suoi soggetti preferiti: i lavoratori, gli emarginati, gli antieroi, e il cinema.

Humour nero. Surrealismo. La farsa funziona fino alla fine. La Svizzera, come l’umanità, non ne esce bene.

Il termine «steampunk» nasce e si diffonde in letteratura nella seconda metà degli anni Ottanta e definisce alcune opere di stampo fantascientifico ambientate in un passato immaginario.

La grande differenza tra Il ragazzo e l’airone e le opere precedenti di Miyazaki sta nell’accumulo di simboli e allegorie: una vertiginosa densità di rimandi, citazioni e metafore.

Il film mette subito in chiaro che dobbiamo sposare una prospettiva più ampia di quella antropocentrica che adottiamo abitualmente.

Ecco allora che in Ferro 3 alcune inquadrature si caricano di un significato metaforico, diventano simboli di qualcos’altro, coerentemente con la natura polisemantica del cinema.

Cos’è il movimento al cinema? Sia che si tratti di un itinerario fisico o di un viaggio onirico, come può imbastire un dialogo con la percezione di uno spettatore?

Oltre a essere stato uno dei maggiori successi economici di Steven Spielberg, Jurassic Park ha rappresentato appieno l'idea spielberghiana di cinema come viaggio meraviglioso attraverso il fantastico.

Impossibile non vedere in questa storia di un re in esilio che si trova alle prese con la Commissione per le attività antiamericane un'allusione alle vicissitudini personali dello stesso Chaplin.

Il rapporto tra scienza e politica nell'ultimo film di Nolan è indagato a partire da un'idea di scienza "strumentale", solo in parte desunta dalle riflessioni dello stesso Oppenheimer.

In Profondo rosso, lo spiritismo, il fascino per il gotico e per l'irrazionale che domineranno Suspiria si prefigurano già in questo film.

In Rapito di Marco Bellocchio vengono al pettine tutti i nodi del rapporto complesso e controverso tra il regista e la religione.

Un'autobiografia, per certi versi, se è vero che, come disse lo stesso Tarantino di recente in un'intervista televisiva: «Se scrivi di cinema in un modo personale, è inevitabile raccontare anche la tua storia».

Il protagonista di Still Life viene più volte accolto da inquadrature che lo isolano, lo separano, lo dividono dagli altri.

Toro scatenato è un film difficilmente ascrivibile a una corrente, a un genere o a un periodo storico. Le sue immagini sembrano cambiare pelle, modificarsi, riadattarsi.

Come anticipa la bellissima copertina dell'edizione italiana Adelphi, La formula perfetta – Una storia di Hollywood prende le mosse da Chinatown di Roman Polanski.

Il film non rientra nel cinema di fiction, ma è, in pieno stile Shub, un mastodontico film di compilazione, ovvero fa largo uso di filmati d’archivio, opportunamente tagliati e riordinati secondo un preciso disegno.

Esfir Shub ha ricoperto un ruolo di spicco nell’evoluzione del film di compilazione così come nella catalogazione e nel recupero di materiali di archivio.

La dialettica tra la riflessione e l’istinto, l’intelletto e le emozioni, la parola e l’immagine, il contenuto e la forma è fondamentale se si vuole comprendere il cinema di Brooks.

Park sceglie di parlare di amore mettendo da parte gli eccessi di Oldboy, per lasciare spazio a un racconto più intimo, sofisticato, personale, una storia d’amore nella quale le parole io-ti-amo non vengono mai pronunciate.

Nonostante non abbia mai nominato il cinema Ludwig Wittgenstein, attraverso Derek Jarman, può forse dirci qualcosa sulla Settima Arte.

Il film di Alice Diop instaura un rapporto privilegiato con lo spettatore, chiamandolo a interagire con una vicenda che analizza i complessi legami che uniscono madri e figlie, patria e colonia, legge e inconscio, realtà e mito.

In Winding Refn la figura umana, imbalsamata dalla cinematografia ed elevata alla seducente astrattezza del simbolo, si avvicina spontaneamente al mondo della moda.

Da sempre, la tecnologia altera la traiettoria e persino la definizione della vita biologica – questo è il vero tema dell'ultimo film di Cronenberg.

La nostra recensione al libro Nicolas Winding Refn. La Vertigine del fato di Rudi Capra.

Michelangelo Frammartino è alla ricerca dell’invisibile. Dal buio della grotta dei sogni dimenticati emergono immagini che non avrebbero visto mai la luce.

Gli indomabili di Allan Dwan è il primo film ad avere come protagonista il leggendario sceriffo Wyatt Earp.

Si tratta di una cinematografia – quella di Chayse Irvin –, che si propone mimetica all’allucinatoria sequenza di immagini che Dominik ha prefigurato nel suo trattamento di sceneggiatura.

Blonde porta avanti una riflessione sulla perdita di identità di Marilyn Monroe mostrandoci prima la perdita del corpo e poi la sua trasfigurazione in cinema.

Non solo un biopic su Marilyn Monroe o una riflessione sull'America che consuma i suoi miti, quanto un trattato sul ruolo delle immagini ai tempi dell'ipervisibilità.

Il film traduce visivamente la follia di Ellen sfruttando al massimo le potenzialità spettacolari del Technicolor e delle riprese in esterni naturali.

Il nostro approfondimento con le analisi di alcuni film passati al Festival, dedito al cinema sperimentale.

Dato che, come sostiene Giorgio Cremonini, il cinema comico è una derivazione-accentuazione della commedia, Srđan Dragojević attua in Heavens Above un duplice sovvertimento del genere.

Un'analisi di Crimes of the Future, di David Cronenberg, che ne considera gli aspetti trascendentali (rifacendosi anche ai film Paul Schrader).

Com'è cambiata la rappresentazione della Morte: dalla morte come orizzonte mentale nell'era dei fantasmi del digitale al presente sconvolto dalla pandemia di Covid-19.

Esce in sala Nope di Jordan Peele. Per l'occasione, Kristin Thompson esplora le origini del prestige horror, da Ex Machina a Midsommar - Il villaggio dei dannati.

Christopher Nolan compie 52 anni. Per l'occasione, proponiamo un'analisi di Memento, un film che si presenta come un potente apparato esperienziale, volto a colmare lo iato tra dimensione empirica e mondo testuale.

Sono passati 60 anni dall'uscita al cinema del film che Welles ha tratto da Il processo di Franz Kafka. Può essere interessante studiare le scelte di regia e di messinscena che permettono al film di trasporre sullo schermo la logica onirica su cui si regge il romanzo.

La seconda incursione di Bellocchio nel sequestro Moro è una monumentale Opera-mondo sull'Italia degli anni '70 e sull'impossibilità di scindere la dimensione pubblica da quella privata.

Il ritorno sul grande schermo del capolavoro di Raoul Walsh La furia umana per la rassegna nel segno del noir di CSC Cineteca Nazionale offre l’occasione di compiere una più ampia riflessione sul Gangster Movie.

La raccolta di scritti di Enrico Ghezzi sulla televisione è l’occasione per riflettere sull’intero percorso teorico del suo autore, tra i più bizzarri, iconoclasti e emblematici della critica italiana.

Il film ci mostra come un’ingegnosa sceneggiatura, una regia raffinata, una colonna sonora imprevedibile e un’interpretazione originale possano far rivivere alcune convenzioni classiche.

Non possiamo divertirci guardando il film di Allen se non siamo in grado di apprezzare l'interpretazione altamente intelligente e acuta di Elle Fanning.

Cosa fa Jean Epstein per rendere udibile l’inudibile nel capolavoro del muto La caduta della casa Usher? A distanza di 125 anni dalla nascita del regista, vale la pena riflettere su alcune soluzioni visive usate nel suo film ispirato all'opera di Edgar Allan Poe.

Larraín aveva già girato Jackie, sulla figura di Jacqueline Kennedy. Per Diana Spencer, invece, compie la scelta immaginaria di evocarne il fantasma, e non solo il suo.

Fraser oggi rilancia una cinematografia ad un tempo 'spettacolare' e ‘timbrica’, accogliendo tutte le tecnologie più recenti nell’armamentario del suo stile, al servizio di registi come Villeneuve o Reeves.

Per quanto riguarda la selezione, non solo fra le opere presentate in concorso, in questa edizione c’è stata una grande apertura alla partecipazione femminile.

In A Serbian Film comico e tragico sono equamente presenti, ma tutt’altro che bilanciati: competono per il dominio, si minacciano a vicenda, a volte si amplificano.

Peter Jackson ha definito il suo lavoro «un documentario su un documentario»: in realtà sarebbe più corretto leggerlo come una profonda riflessione sulla forma documentaria.

L'illusionismo come punto di partenza per riflettere sul rapporto tra immagine e realtà.

Il folle lungometraggio in stop-motion dell'effettista Phil Tippett, frutto di un lavoro trentennale, sembra un corollario alle nostre riflessioni sui multiversi, e insieme una enciclopedia immaginaria di esseri mostruosi.

La suspense che contraddistingue Old si basa su un procedimento attento alla messa in scena e al posizionamento della macchina da presa, affine al metodo hitchockiano.

Nel film, l'immagine e la memoria finiscono a volte per coincidere, a volte per sovrapporsi, a volte per sostituirsi o completarsi.

L'ultimo film di Ridley Scott è l'emblema dell'enorme fraintendimento che affligge la carriera recente del regista. Una riflessione sempre più dissacrante su come l'arte rappresenta la vita.

Bocchi allarga lo spettro dell'indagine, nella convinzione che oggi lo spettatore non possa essere dispensato dal pensare e vedere per immagini.

Vogliamo discutere dell’ultima fase di cinema di Woody Allen, cercando di mostrare come i film di questo periodo siano una cosa diversa rispetto a quelli precedenti.

Il conformista è un'opera dall'identità ibrida che è riuscita a raccontare l'incontro tra forze psicologiche e sollecitazioni culturali come pochi altri nella nostra cinematografia.

L'ultimo film del regista olandese è una sintesi e insieme una parodia della sua poetica, dove sacro e sessualità, splatter e ironia si mischiano e si confondono.

Il film di Villeneuve si colloca in quel gruppo di riletture hollywoodiane perverse e superficiali della fantascienza sovietica che hanno assorbito l'aspetto e lo stile di quest'ultima.

Una riflessione sulle figure del manichino, l'automa e la bambola animati nel cinema attraverso alcuni film e autori significativi.

La retrospettiva è costituita da 10 film di Forgács che testimoniano da una parte la sua vita privata, dall’altra gli accadimenti storici e pubblici avvenuti tra guerre, esodi, carestie e totalitarismi.

Vever propone un'idea di cinema come dispositivo tecnico che sia in grado non solo di determinare il modo di conoscere umano ma anche il contenuto stesso della conoscenza.

Per comprendere la complessità delle opere di Rosi e Minervini è utile prendere in considerazione il concetto di performatività.

“Esserci” è la parola chiave della quinta edizione del Laterale Film Festival: ritrovarsi dentro un altro mondo, viverne le sensazioni, anche solo per un istante.

Fin dai suoi albori l’animazione giapponese ha conferito un ruolo fondamentale alla figura del “ragazzo”.

Nel cinema italiano di oggi, esiste una propensione a raccontare il reale attraverso i caratteri essenzialmente teatrali delle maschere.

Una strana coincidenza, la quasi contemporanea uscita al cinema del film di Bellocchio e l’approdo in libreria del romanzo di Bernhard, Ungenach.

Stravolgendo l'idealismo baziniano, viene spontaneo sostituire la domanda che cosa è il cinema? con che cosa sarà il cinema?

Lumina di Samuele Sestieri porta avanti un concetto di cinema inteso come rinascita, come luce (lumina, appunto): luce su borghi dimenticati, su persone perdute, su ricordi intimi.

Il libro di Michael Guarneri racchiude sette interviste condotte nell’arco di dieci anni ad uno dei nomi più influenti dello slow cinema contemporaneo, il regista filippino Lav Diaz.