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«Sensory images creeping in our subconsciousness, plastic beauty restoring our archaic shivers, contrasting feelings overflowing softened our hearts.» It is with these words that Fabien Gaffez presents Limbo [id., 2016], the latest work of the young Greek director Konstantina Kotzamani, in competition for Critics’ Week of Cannes Film Festival. Words, those of the critic, useful to understand this “elusive” film: a movie with a mysterious storyline and obscure metaphors.
It will not help us this brief synopsis – if we can speak of “synopsis” – proposed in the press-kit of the film, that substantially reproduces, in part, a comment pronounced, at some point, in Limbo:

The leopard shall lie down with the goat. The wolves shall live with the lambs. And the young boy will lead them.
12+1 kids and the carcass of a whale washed ashore

This indications are more similar to a prediction than a real summary.
A caption, placed at the beginning of the film, informs us about the double meaning of the word that gives the title to this last Kotzamani’s work. The word “Limbo”, in fact, it means both “a place for souls of unbaptized children” as “a state of uncertainty, located between life and death.” Words which are applied to the film itself: as if to suggest that the sense of Limbo – film invested by various Christological and biblical fascinations – remains “suspended” as its title.

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If the plot appears quite indecipherable (thirteen children – one of whom, albino, isolated because he was considered an undead – who live in a place where the adult are absent), stylistically, Limbo confirms and develops some «trends» that had characterized the cinema of this Greek director. Over all, the use of frontal shot and the tableau vivant: expedient already tested in the past movies, who find, in Limbo, new possibilities of expression. As often happens in the new greek art-house cinema, this film shows a “cooled” style, almost glacial, where the absence of dialogues and psychologies replacing by the (pure) presence of bodies and spaces (or, of the bodies in the spaces).In Limbo, these bodies constantly come into or out of the frame, almost zombified by a process of estrangement brought to its limit – for example, the first shot of the film, in which the albino-boy entered on frame in décadrage: method, this, that recurs obsessively in the course of this short film.

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The mise-en-scène becomes, therefore, the essential question on which we have to focus to understand this mysterious and fascinating latest Konstantina Kotzamani’s film.

 
INTERVIEW WITH KONSTANTINA KOTZAMANI

konstantina kotzamani interview specchio scuroKontsantina Kotzamani.

In Limbo [id., 2016], your latest short film presented this year at the Cannes Film Festival in the “International Critics’ Week”, the protagonists are a group of children living isolated in a non-place where the adult figure seems to be absent. Already in your early works, Pigs [id., 2011] and Zodiac [id., 2011], you approached childhood in an original way. Is, this, a world that fascinates you? And why making kids act in Limbo – a film with clear Christological metaphors?

The first images that I had 5 years ago when Limbo was actually getting born, were some kids playing a violent unusual game somewhere in a beach, while the night was falling. In the beginning what interested me more was the unflinching and unafraid childhood that is kept hidden inside us. But gradually these kids transformed into something else in my mind. I figured them as the Protoplasts in an abandoned paradise, as raw material – people who try to solve primordial questions. They became the 12 boys, the 12 Apostles, vulnerable and lost, trying to confront the new and unknown; an alien Jesus, a big monstrous Cetus washed ashore or the fear of mortality. It is quite paradoxical to have a group of little kids when you want to literary talk about death and life but I guess this is what excited me since the beginning.

Furthermore, these choices have brought to mind the work of an interesting contemporary director, Lucile Hadžihalilović that with Innocence [id., 2004] and especially Evolution [id., 2015] has faced in an equally surreal and alienating way the adolescent and childish world. Did you see them by chance?

I have seen Innocence several years ago when the film was released but I never had this film as a reference. Maybe it never crossed my mind… I still remember the beautiful ministering world of Lucile Hadžihalilović in Innocence. Unfortunately I haven’t watched Evolution. It was never released in Greece. But I will try to find it. Some other people also suggested it to me, based on the similarities in our universes…

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kotzamani evolutionUp Innocente, down Evolution. By Lucile Hadžihalilović.

Limbo is, in my opinion, an enigmatic and metaphorical work. How would you sum up the film? And what were the conditions in which it was made? Wasit a long project? When was it born?

Limbo actually was a very long project. I started writing it five years ago. It was really difficult to raise money and cover the whole budget because it was a quite expensive film. Also the casting- rehearsing with the kids was demanding. I had to merge with the kids and all become one body, the body of the film. We did almost 4 months of rehearsals, which is quite a long period for a short film. We had to work a lot on the scenes of the film, and the process was quite a psychoanalytical one. We tried to remember experiences, dreams, fears, memories, and react on them as false characters. It was really purifying for me and for the kids. Actually there is a whole world hidden inside kids that we ignore as adults.
I also feel that the film works also as an allegory, an allegory that I re-discover each time I watch it. It is too difficult to sum up everything with a phrase… Fist time I watched the finalized edit I felt that the last shot indicated something else that I never thought of before in the filmmaking process of Limbo …that whatever is out there, whatever we people cannot put into words, whatever scares us in the universe, is equally the source of life and death, a source of wonder and a part of us… Last time I saw it in Cannes I felt that I was telling the audience that God is dying alone.

It seems to me that in your films – and Limbo confirms it – the formal question is always central, and that your cinema is strongly characterized by images that literally stand out for their iconographic strength – for example the stuffed tiger in Washingtonia [id., 2014], or children, motionless, with the water at their waist, in Limbo. I would like to ask you to speak about the “visual” work in your films, the way you conceive them, if you adopt a certain modus operandi, and if there are anecdotes that you would like to tell us.

Sometimes when I reach the locations before the shooting I shut my eyes so I can see the echo of the image created inside. Then I try to illuminate what I saw in the dark so that it has an effect outwards from inside
It is really hard to rationalize and justify the way I conceive my filmic images. I think that inside us we keep a matrix of memory-images. These images operate like dreams; they can be a blend of past images or conscious images processed by present wants and aesthetics . But there are also some raw paradoxical images that rise up unexpectedly. These images interest me more. As I grow up I conceive cinema as a visual communication, as a pre-grammatical experience, a dreamlike state that you invite the other to enter. I like to think, that “in films we find the dreams that we yearn for”.

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limbo - 6Up Washingtonia, down Limbo.

In relation to the staging of your films, it seems to me that you work for opposite, namely that you willingly place side by side the static nature of the tableau vivant and out-of-focus hand filming – Limbo confirms this trend, showing first the motionless children who look toward the camera and then themplaying on the beach. This gives, in my opinion, a lot of dynamism to your films. Is it a “contrast” that you wanted? What can you say about the shooting mode of your films? And do you use a storyboard?

Actually I never use a storyboard. I only use photo-references that I always carry with me in the shooting. When I usually shoot, I try to be very close to my theme, and literary dance with the camera next to it. I am really fascinated by intruding into the cinematic life that is created that moment. This is how this handheld out-of-focus filming dominates in my films. But there are images that I couldn’t imagine them in a different way, but only as compositions of absolute stillness. I perceive these images as fleeting instances that somehow embrace infinity, which try to capture a momentary pause between stillness and action. In these moments I sense that there is a cinematic filter that penetrates my characters, I feel it as a state of higher consciousness.

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limbo - 8Frames from Limbo.

In Limbo I found the use of sound central. For example, the first shot of the film shows us a cloudy sky – after a while the albino boy will come “in the field”. The sound, here and elsewhere, emerges, as if it were more present than the image itself – I think of the sound of the flies, so obsessively recurring. What can you tell me about it? Do you consider the role of sound in your films important?

I think that in Limbo there is a narrowed combination of sound design and music score. There are moments that you hardly distinguish one from the other. The very first thoughts on sound were to mix electronic sources, field recordings, mineral matters, raw soundscapes and create a deep ambiance with multiple haunting layers. My intention was to transform the perception of space giving multiple depths and dynamics to the image, emerging like hidden presences. We wanted to create a cinema of the body where space, emotions and sound become an experience.

What is your impression about your films, once you complete them? Do they always meet your expectations? Is there one of your films in particular youfeel connected to?

There is always a gap between the films you want to make and the films that you finally make. A space, in-between the ideal and the tangible result. In this gap is where you can actually see the real film…it’s the zone that I get revealed.
For example Pigs is a very personal film because it was my persistent nightmare as a child. But strangely I don’t feel that connected with it. I think that I feel more connected with Yellow Fieber but maybe because of the process that it was made in…

limbo - 10Pigs.

Between Washingtonia and Limbo you realized Yellow Fieber [id., 2015], a short film that takes up and develops characters and situations already seen inWashingtonia, becoming a sort of arthouse “reboot.” I find it absolutely original. How was the film born? What can you tell us about this so special a work?

Yellow Fieber was born through Washingtonia or co-existed in my head even before.
Yellow Fieber was a kind of experiment for me. I edited among the material that I got from Washingtonia. I started editing myself and play with the material, because I felt that there was so much hidden-sleeping power in it. There are many parts that I didn’t use and many ideas I left behind while filming Washingtonia. There was this duet of Characters Madame Ellie and Mamadu Dialo, who I wanted to dig deeper and extract more. And frankly the fact that I was working in a pre-existing material totally liberated me. It felt more like writing poetry, putting words together, than editing a film.

limbo - 11Yellow Fieber.

In our magazine, we have dedicated a large special to Philippe Grandrieux, a director we love very much and had the pleasure to interview. In one of yourworks, Arundel [id., 2012], there is a shot that reminded me of La Vie nouvelle [id., 2002]: an out-of-focus shot of a body of a woman, whose face looks atthe sky. Did you intentionally quote Grandrieux? Do you know the films by the French director? Has he influenced your work?

I think that Grandieux is one of the directors that have most influenced the concentration cinema in general. When I saw Grandieux I had already started to experiment in out of focus shots and handheld camera. When I watched his films I started to realize how beautifully and organically this can be made and integrate with the narration as one.

limbo - 12Arundel.

So far you have made only short films. The question I would like to ask you is perhaps a little banal and obvious, but I think that many fans – including me – wonder when you will finally pass to the feature film. Also, do you feel your previous work somehow as “preparatory”?

Now I think I am in the first stages of writing my first feature film. It started as an idea for a short film but now it is expanding in my mind…

One last question, which is another curiosity. Washingtonia was presented at the Turin Film Festival in 2014. It was one of the best opportunities to makeyour cinema known in Italy, and it seems to me that the film was well received – many people I know enjoyed it. Was it a positive experience? What doyou remember about it?

Unfortunately I was not able to attend the Turin Film Festival, so I didn’t have the chance to talk and interact with the audience there. I remember though quite a few people who were there, writing to me about Washingtonia. Actually it is really stimulating when people receive your work so warmly.

Finally, I want to thank you for the interview you gave us, and I wish you a successful film career.


(Thanks to Alessia Contri and Lorenzo Baldassari for the translation.)

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This essay is in English: please click HERE for the ENGLISH ORIGINAL VERSION.


 

«Sensory images creeping in our subconsciousness, plastic beauty restoring our archaic shivers, contrasting feelings overflowing our softened hearts.» È con queste parole che Fabien Gaffez presenta Limbo [id., 2016], l’ultimo lavoro della giovane regista greca Konstantina Kotzamani in concorso alla Settimana della Critica del Festival di Cannes. Parole, quelle del critico, utili per inziar ad inquadrare un film assolutamente sfuggente, dalla trama misteriosa e dalle oscure metafore.
Non c’è d’aiuto nemmeno la breve sinossi – se di sinossi si può parlare – proposta nel press-kit del film, e che sostanzialmente riprende, in parte, un commento in fuori campo pronunciato ad un certo punto, in Limbo:

The leopard shall lie down with the goat. The wolves shall live with the lambs. And the young boy will lead them.
12+1 kids and the carcass of a whale washed ashore

Si tratta di indicazioni ben più simili ad una profezia che ad un vero e proprio riassunto.
Una didascalia posta all’inizio del film ci informa sul doppio significato della parola che dà titolo a questa ultima opera di Kotzamani. Con «limbo», infatti, si intende tanto «un luogo per le anime dei bambini non battezzati» quanto «uno stato di incertezza, situato tra la vita e la morte». Parole che ben si applicano al film stesso: quasi a intendere che il senso di Limbo – film investito dalle più svariate fascinazioni cristologiche e bibliche – resta altrettanto «sospeso» quanto il proprio titolo.

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limbo - 2Una processione con una statua della madonna, raffigurazioni del Cristo in croce e altri espedienti rafforzano la valenza “cristologica” del film. Appare chiaro che Kotzamani vuole lavorare per metafore. Una pratica, questa, vicina a molto cinema greco d’autore degli ultimi anni: pensiamo, in particolare, a Yorgos Lanthimos che proprio sulla metafora (dagli inquietanti risvolti sociologici) ha costruito la sua carriera – e non solo con il capo d’opera Dogtooth [Kynodontas, 2009], ma soprattutto con The Lobster [id., 2015], opera sicuramente minore ma che amplifica, per quanto possibile, i caratteri metaforici del suo cinema.

Se il plot appare dunque decisamente indecifrabile (tredici bambini – di cui uno, albino, isolato perché ritenuto un non-morto – che vivono in un luogo dove la figura dell’adulto risulta assente), sul piano stilistico Limbo conferma e sviluppa alcune tendenze che già avevano caratterizzato il cinema della regista greca. Su tutti, l’uso della frontalità dell’inquadratura e del tableau vivant: espedienti già sperimentati in passato e che, in Limbo, trovano nuove possibilità espressive. Come sovente accade nel nuovo cinema d’autore greco, si tratta infatti di un film dallo stile «raffreddato», quasi glaciale, dove, all’assenza dei dialoghi e delle psicologie, si sostituisce la (pura) presenza dei corpi e degli spazi (o dei corpi negli spazi).
In Limbo, questi corpi entrano o escono costantemente dal quadro, quasi zombificati per via di un processo di straniamento condotto fino al proprio limite – pensiamo, ad esempio, alla prima inquadratura del film, in cui il bambino albino entra in campo in décadrage: procedimento, questo, che ricorre ossessivamente nel corso del cortometraggio.

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La messa in scena diventa quindi la questione centrale su cui soffermarsi per poter indagare meglio un’opera così misteriosa e affascinante come è l’ultimo film di Konstantina Kotzamani.


INTERVISTA CON KONSTANTINA KOTZAMANI

konstantina kotzamani interview specchio scuroKonstantina Kotzamani.


In Limbo [id., 2016], il suo ultimo cortometraggio presentato quest’anno al Festival di Cannes nella sezione «Settimana Internazionale della Critica», protagonisti sono un gruppo di bambini che vivono isolati in un non-luogo dove la figura dell’adulto pare essere assente. Già nei suoi primi lavori, Pigs [id., 2011] e Zodiac [id., 2011], si era affiancata in maniera originale all’universo infantile. È, questo, un mondo che la affascina? E perché far recitare in Limbo – film dalle chiare metafore cristologiche – proprio dei bambini?

Le prime immagini che ho avuto del film cinque anni fa, quando Limbo è venuto alla luce, erano quelle di alcuni bambini che giocano ad un insolito e violento gioco da qualche parte in una spiaggia, mentre sta calando la notte. All’inizio, ciò che mi interessava di più era l’idea di un’infanzia, inflessibile e senza paura, nascosta dentro di noi. Ma poco alla volta, nella mia mente, questi ragazzi si sono trasformati in qualcosa di diverso. Me li sono raffigurati come protoplasti in un paradiso abbandonato: come “materia prima” – persone che cercano di risolvere interrogativi primordiali. Sono diventati i 12 ragazzi, i 12 Apostoli, vulnerabili e persi, che cercano di affrontare ciò che è nuovo e sconosciuto: un Gesù-alieno; un grande e mostruoso cetaceo trascinato a riva; la paura della mortalità. È abbastanza paradossale avere un gruppo di bambini piccoli quando si vuole parlare letteralmente della morte e la vita, ma credo che sia questo ciò che mi ha emozionata fin dall’inizio.

Inoltre, queste scelte mi hanno riportato alla mente l’opera di una interessante regista contemporanea, Lucile Hadžihalilović, che con Innocence [id., 2004] e soprattutto Evolution [id., 2015] ha affrontato in maniera altrettanto straniante e surreale il mondo adolescenziale e infantile. Li ha visti per caso?

Ho visto Innocence diversi anni fa, quando il film è uscito, ma non ho mai avuto come riferimento questo film. Forse non ha mai attraversato la mia mente … mi ricordo ancora il bellissimo e misterioso mondo di Lucile Hadzihalilovic in Innocence. Purtroppo non ho visto Evolution. Non è mai uscito in Grecia. Ma cercherò di recuperarlo. Anche altre persone me lo hanno consigliato, sulla base delle somiglianze nei nostri universi …

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kotzamani evolutionSopra Innocence, sotto Evolution. Di Lucile Hadžihalilović.

Limbo si tratta, a mio avviso, di un’opera enigmatica e metaforica. Come riassumerebbe il film? E quali sono state le condizioni in cui è stato realizzato? È stato un progetto lungo? Quando è nato?

Limbo, in realtà, è stato un progetto molto lungo. Ho iniziato a scriverlo cinque anni fa. È stato davvero difficile raccogliere fondi e coprire l’intero budget perché era un film piuttosto costoso. Anche il casting e prove con i bambini sono stati impegnativi. Ho dovuto “fondermi” con i bambini e tutti siamo diventati un solo corpo: il corpo del film. Abbiamo fatto quasi quattro mesi di prove, che è un periodo abbastanza lungo per un cortometraggio. Abbiamo dovuto lavorare molto sulle scene del film, e il processo è stato, piuttosto, una seduta psicoanalitica. Abbiamo cercato di ricordare esperienze, sogni, paure, ricordi, e farli reagire come personaggi inventati. È stato davvero purificante per me e per i bambini. In realtà, c’è tutto un mondo nascosto dentro i bambini, e che ignoriamo una volta adulti.
Ritengo inoltre che il film funzioni anche come allegoria: un’allegoria che io riscopro ogni volta che lo guardo. È troppo difficile da riassumere tutto il film con una frase… La prima volta che l’ho guardato, a montaggio ultimato, ho sentito che l’ultima inquadratura rappresentasse un’altra cosa: una cosa che non ho mai pensato prima, nel processo di produzione cinematografica di
Limbo: che tutto ciò che è là fuori, che tutto ciò che la gente non può descrivere con le parole, che tutto ciò che ci spaventa nell’universo, è ugualmente fonte di vita e di morte, una fonte di meraviglia e una parte di noi… L’ultima volta che l’ho visto, a Cannes, ho sentito che stavo dicendo al pubblico che Dio sta morendo da solo.

Mi sembra che nei suoi film – e Limbo ce lo conferma – la questione formale sia sempre centrale, e che il suo cinema sia fortemente caratterizzato da immagini che si impongono letteralmente per forza iconografica – penso ad esempio alla tigre imbalsamata di Washingtonia [id., 2014], oppure ai bambini, immobili, con l’acqua alla vita, in Limbo. Volevo chiederle che ci parlasse del lavoro “visivo” sui suoi film, come li concepisce, se adotta un determinato modus operandi, e se ci sono aneddoti che le piacerebbe raccontarci.

A volte, quando raggiungo le locations prima dell’inizio delle riprese, chiudo gli occhi così posso vedere l’«eco» di quell’immagine che si crea dentro di me. Poi cerco di illuminare quello che ho visto al buio, in modo che abbia un effetto verso l’esterno dall’interno.
È davvero difficile razionalizzare e giustificare il modo in cui concepisco le mie immagini filmiche. Credo che dentro di noi teniamo una matrice di immagini-memoria. Queste immagini funzionano come i sogni; essi possono essere una miscela di immagini del passato o immagini coscienti, elaborate da bisogni ed estetiche del momento. Ma ci sono anche alcune immagini paradossali, che risalgono inaspettatamente. Queste immagini mi interessano di più. Adesso che sono cresciuta concepisco il cinema come comunicazione visiva, come esperienza pre-grammaticale, uno stato onirico attraverso il quale inviti l’altro ad entrare. Mi piace pensare che “nei film troviamo i sogni che bramiamo”.

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limbo - 6Sopra Washingtonia, sotto Limbo.

 

Sempre in relazione alla messa in scena dei suoi film, mi sembra che lavori per opposti, ovvero che alla staticità del tableau vivant affianchi volentieri riprese a mano molto mosse e fuori fuoco – Limbo conferma questa tendenza, mostrandoci prima i bambini immobili che guardano verso la macchina da presa e poi che giocano sulla spiaggia. Ciò dona, a mio parere, molto dinamismo ai suoi film. Si tratta un “contrasto” voluto? Cosa ci può dire a riguardo delle modalità di ripresa dei suoi film? E per caso lei utilizza uno story-board?

In realtà io non uso mai uno storyboard. Uso solo dei riferimenti fotografici che porto sempre con me durante le riprese. Solitamente quando giro cerco di essere molto vicina al mio tema, e “danzare” letteralmente con la macchina da presa, da vicino. Sono davvero affascinata dall’intrusione che si crea, in quel momento, nella vita cinematografica. Questo è il motivo per cui nei miei film dominano le riprese a mano in out-of-focus. Ma ci sono immagini che non potevo immaginare in modo diverso, se non come composizioni di immobilità assoluta. Percepisco queste immagini come istanti fugaci che abbracciano in qualche modo l’infinito, che cercano di catturare una pausa momentanea tra la quiete e l’azione. In questi momenti sento che c’è un filtro cinematografico che penetra nei miei personaggi, mi sento come in uno stato di coscienza superiore.

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limbo - 9Immagini da Limbo.

 

In Limbo ho trovato centrale l’uso del sonoro. Ad esempio, la prima inquadratura del film ci mostra un cielo nuvoloso – dopo poco entrerà “in campo” il ragazzo albino. Il sonoro, qui e altrove, si impone letteralmente, quasi fosse più “presente” dell’immagine – penso anche al suono delle mosche, così ossessivamente ricorrente. Cosa mi può dire a riguardo? Ritiene importante il ruolo del sonoro nei suoi film?

Credo che in Limbo vi sia una combinazione stretta tra sound design e colonna sonora. Ci sono momenti in cui difficilmente si può distinguere l’uno dall’altro. I miei primi pensieri sul suono erano quelli di “mixare” fonti elettroniche, registrazioni sul campo, materie minerali e paesaggi sonori grezzi e creare un ambiente profondo, con strati multipli ossessionanti. La mia intenzione era quella di trasformare la percezione dello spazio, dando molteplici profondità e dinamiche all’immagine, che dovevano emergere come presenze nascoste. Abbiamo voluto creare un cinema del corpo in cui lo spazio, emozioni e suoni diventano un’esperienza.

Che impressione ha dei suoi film, una volta conclusi? Soddisfano sempre le sue aspettative? E c’è un suo film in particolare a cui si sente legata?

C’è sempre una distanza tra i film che si desidera fare e le pellicole che hai fatto. Uno spazio intermedio tra la tua idea e il risultato tangibile. In questo divario si può effettivamente vedere il film vero e proprio…  è la zona in cui mi si rivela.
Per esempio, Pigs è un film molto personale, perché era il mio incubo ricorrente di quando ero bambina. Ma stranamente non mi sento vicina ad esso. Penso di sentirmi più vicina a Yellow Fieber, ma forse più a causa del processo che stava dietro al film…

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Tra Wasghingtonia e Limbo lei ha realizzato Yellow Fieber [id., 2015], un cortometraggio che riprende e sviluppa personaggi e situazioni già visti in Washingtonia andando a costituire quasi una sorta di «reboot d’autore». La trovo un’operazione assolutamente originale. Come è nato il film? Cosa ci può dire in proposito di quest’opera così particolare?

Yellow Fieber è nato attraverso Washingtonia, o co-esisteva nella mia testa anche prima.
Yellow Fieber
era una sorta di esperimento per me. Ho montato del materiale che avevo di Washingtonia. Ho iniziato a montarlo da sola, a “giocare” con il materiale che avevo, perché sentivo che nascosto, dormiente, c’era un enorme potere in esso. C’erano molte parti che non ho usato e tante idee che ho lasciato indietro durante le riprese Washingtonia. C’era questo “duetto” tra i personaggi della signora Ellie e Mamadu Dialo che ho voluto approfondire, volevo “estrarre” di più. E, francamente, il fatto di lavorare su del materiale preesistente mi ha totalmente liberato. Sembrava più scrivere poesie, mettendo insieme delle parole, che montare un film.

limbo - 11Yellow Fieber.

Sulla nostra rivista abbiamo dedicato un ampio speciale a Philippe Grandrieux, regista che amiamo molto e che abbiamo avuto anche il piacere di intervistare. In una sua opera, Arundel [id., 2012], c’è una inquadratura che mi ha ricordato da vicino La Vie nouvelle [id., 2002]: una ripresa in out-of-focus di un corpo di una donna, il cui volto guarda al cielo. Si tratta di una citazione voluta? Conosce il cinema del regista francese? Ha avuto un’influenza sulla sua opera?

Credo che Grandieux sia uno dei registi che hanno maggiormente influenzato un certo cinema di “raccoglimento” in generale. Quando ho visto Grandieux avevo già iniziato a sperimentare riprese in fuori fuoco e camera a mano. Quando ho visto i suoi film ho iniziato a realizzare quanto bello e “organico” possa essere questo tipo di ripresa, e come integrarlo con la narrazione.

limbo - 12Arundel.

Ad oggi ha realizzato esclusivamente cortometraggi. La domanda che voglio farle è forse un po’ banale e scontata, ma credo che molti – compreso io – si chiedano quando finalmente passerà al lungometraggio. E inoltre, sente i suoi lavori precedenti in qualche modo “preparatori”?

Penso di essere nelle prime fasi di scrittura per il mio primo lungometraggio. È iniziato come idea per un cortometraggio, ma ora si sta “espandendo” nella mia mente …

Ancora un’ultima domanda, che è un’altra curiosità. Washingtonia è stato presentato al Torino Film Festival nel 2014. È stata una delle migliori occasioni per far conoscere il suo cinema in Italia, e mi pare che il film sia stato ben accolto – molte persone che conosco ne mantengono un grande ricordo. È stata un’esperienza positiva? Che ricordo ha a riguardo?

Purtroppo non sono stata in grado di partecipare al Torino Film Festival, quindi non ho avuto la possibilità di parlare e interagire con il pubblico. Mi ricordo però che un piccolo gruppo di persone che era lì mi scrisse riguardo Washingtonia. In realtà è davvero stimolante quando le persone accolgono il tuo lavoro così calorosamente.

Voglio infine ringraziarla per l’intervista che ci ha concesso, e le auguro una fortunata carriera cinematografica.

 

(Grazie ad Alessia Contri e Lorenzo Baldassari per la traduzione.)

 

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